デヴィッド・フィンチャー監督の最新作『ザ・キラー』など、数々の映画のサウンドトラックを手がけてきたトレント・レズナーとアッティカス・ロスの音楽性をレビュー。

フィービー・ブリジャーズ、ルーシー・ダカス、ジュリアン・ベイカーによるスーパー・グループ、boygeniusのEP『the rest』をレビュー。

<p>Text：竹島ルイ</p>
<p>1994年生まれのフィービー・ブリジャーズ、1995年生まれのルーシー・ダカス、1995年生まれのジュリアン・ベイカー。彼女たちは、インディーロック＝非商業的なロックというインディペンデントなフィールドで、若くしてその才能を認められたシンガーソングライターだ。まるで塗装されていない荒れ果てた一本道を歩むように、確かな足取りでキャリアを積み上げてきた。</p>
<p>時にはラウドなギター、時には幽玄的なストリングス、時にはざわめく電子音をバックに、彼女たちは耐えがたい孤独や、報われない愛を歌う。パーソナルな想いが込められたその歌は、世界に向けて放射状に眩い光を放つ。その唯一無二な個性に、多くの音楽ファンが心を捕まれ、虜となった。極東の島国でいそいそとSpotifyのプレイボタンをクリックしていた筆者も、もちろんその1人である。</p>
<p>3人はお互いの音楽にリスペクトを表明し、ライヴにゲスト参加したりして友情を深めていった。やがてより深くコラボレーションをしたいという想いから、3人はboygeniusを結成。というバンド名は、「生まれながらに才能を持っている男性の声に、女性は耳を傾けるべきだ」という自信満々な男性コラボレーターとの体験を、強烈な皮肉として名付けたものだ。</p>
<p>2018年にセルフタイトルのEP『Boygenius』を発表し、その後もソロ活動の合間を縫って水面下でプロジェクトを継続。今年の3月には念願の1stアルバム『the record』をリリースし、UKのアルバム・チャートで1位、USでは4位にランクイン。出演したコーチェラのライヴでも最高のパフォーマンスを見せてくれた（もちろん筆者も、目をギンギンにさせてYouTubeでのLIVE放送を拝見させていただきました）。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/0e9GjrztzBw8oMC6n2CDeI?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe></p>
<p>そしてアルバムのリリースから半年後、「Black Hole」、「Afraid of Heights」、「Voyager」、「Powers」の全4曲入りEP『the rest』をリリース。タイトルを字義通り受け止めれば、“休憩する”＝グループとしての活動をいったん小休止して、ソロ活動に専念するということか（もちろん、3人はいつだってこの場所に戻ってくるだろうけど）。彼女たちが作ってきたトラックの“残り”をお裾分け、という意味もかけているのかもしれない。いずれにせよ、ファンにとっては嬉しすぎるサプライズである。</p>
<p><module-adv></module-adv></p>
<h3>研ぎ澄まされていった“声”の表現</h3>
<p>『the rest』を一聴すると、『the record』以上に音が削ぎ落とされ、シンプルなサウンド・プロダクションで構築されていることに気付く。音響系アンビエント・フォークのニュアンスを残しつつ、ペダル・スティールやアコースティック・ギターが奏でるアルペジオが空間を満たし、リスナーの心をゆっくりと解放していく。ビートを刻まないドラムレスを選択することで、まるで海の底をたゆたうような、揺らぎのある音像が生まれた。</p>
<p>そしてこのEPでは、彼女たちの美しい三声ハーモニーがよりフィーチャーされている。60〜70年代に活躍したピーター・ポール&amp;マリーや、クロスビー・スティルス・ナッシュ&amp;ヤングなど、トラディショナルなフォーク・グループへの接近。M-3「Voyager」に至っては、教会音楽のクワイアのような、ホーリーなニュアンスも感じられる。コラボレーションを重ねれば重ねるほど、楽器が削ぎ落とされて“声”の表現へと研ぎ澄まされていったのだろう。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/1n0esOkFQdL74PwMwTVgtz?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe></p>
<p>リリックに目を向けると、Black Hole（ブラックホール）、flight（飛行）、gas（ガス）、moon（月）、alien（異星人）、universe（宇宙）、comet（彗星）、fission（核分裂）というワードが並び、深淵な宇宙が広がっていることに気付く。だが決して、未知の世界への渇望を歌っている訳ではない。そこにあるのは、自分たちが佇んでいる場所が跡形もなく消え去ってしまうような、諦観めいたメランコリアだ。</p>
<p>今朝の見出しにはこう書かれていた／私たちが正しいと考えていたことがすべて破壊されてしまったと<br />
（Black Hole）</p>
<p>彗星の尾が一瞬にして燃え尽きる、物質の破壊／スーパーコライダーには何も見えない<br />
（Powers）</p>
<p>特に、M-1のトラック・タイトルにもなっている“ブラックホール”は、アルバム全体を通底するモチーフと言えるだろう。</p>
<p><module-adv></module-adv></p>
<h3>漆黒の闇に吸い込まれる</h3>
<p>フィービー・ブリジャーズ、ルーシー・ダカス、ジュリアン・ベイカーはクィアとして、父権的な社会との軋轢に苦しみ続けてきた。特に保守的なカトリックの環境で生まれ育ったジュリアン・ベイカーは、クリスチャンであることと、クィアであることの葛藤を抱えていた。そこから生まれる機能不全、絶望、孤立、憂愁が、ブラックホール──時間も空間も吸い込む底なしの天体のイメージを生み出し、内面世界と接続したのではないか。</p>
<p>M-2「Afraid of Heights」で歌われるという歌詞も、漆黒の闇に吸い込まれる比喩のようだ。思えば、『the record』の6曲目に収録されていた「Not Strong Enough」にも、ブラックホールは自分自身を破壊する象徴として登場していた。銀河系のどこかで、彼女たちは足場のない空間を彷徨っている。</p>
<p>だが、「Afraid of Heights」のというリリックに象徴されているように、絶望が世界を覆い尽くしている訳ではない。「Voyager」では新世界への飛翔がポジティヴに綴られている。</p>
<p>彼女たちはコーチェラのステージで、「トランスの命は大事だし、トランスの子供たちは大切。私たちは戦う。あなたたちを愛しています」というメッセージを送った。マイノリティに寄り添うこと。マイノリティとして力強く生きていくこと。そのポジティヴな意思が、3人が奏でる音楽にも宿っている。彼女たちはバンド仲間というよりも、同志に近い関係なのかもしれない。ジュリアン・ベイカーのコメントを引用しよう。</p>
<blockquote>
<p>「私たちがしている約束は、私の仕事とは違うスケールのものなの。私の人生が勝手に変わったり、吹っ飛んだりすることはないと思う。慣れている場所よりも大きな会場でライヴをやって、家に帰って近所の芝刈りを手伝うことだってできる」</p>
</blockquote>
<p>（出典：<a href="https://www.rollingstone.com/music/music-features/boygenius-julien-baker-phoebe-bridgers-lucy-dacus-the-record-interview-1234660514/">https://www.rollingstone.com/music/music-features/boygenius-julien-baker-phoebe-bridgers-lucy-dacus-the-record-interview-1234660514/</a>）</p>
<p>このEPは、ラストを飾る「Powers」の荘厳なブラスで美しく締めくくられる。そのダイナミックな展開は、フィービー・ブリジャーズの代表曲「I Know The End」（アルバム『Punisher』収録）のクライマックスのようだ。全4曲、わずか12分というランニングタイムのなかに、宇宙の終わりと始まりがある。2023年の最後に彼女たちが残してくれた『the rest』を、心ゆくまで咀嚼し、味わおう。</p>
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boygenius『the rest』 宇宙に響き渡る、美しき三声ハーモニー

細野晴臣が今泉力哉監督の映画『アンダーカレント』に提供した音の世界を再構築したEP『Undercurrent』のレビュー。

<p>はっぴいえんどで日本語の礎を築き、イエロー・マジック・オーケストラ（YMO）で世界的成功を収め、その後もテクノからカントリー・ミュージックまで幅広い作品を発表してきた細野晴臣は、言わずと知れた音楽界の巨人。そして彼はまた、『銀河鉄道の夜』（1985年）、『紫式部 源氏物語』（1987年）、『メゾン・ド・ヒミコ』（2005年）、『万引き家族』（2018年）など、決して数は多くないものの、印象的な映画音楽を手がけてきたサウンドトラック職人でもある。</p>
<p>そんな彼が、今泉力哉監督の最新作『アンダーカレント』の映画音楽を手がけることになった。筆者のように長年細野晴臣を追いかけてきたファンにとって、これはもはや音楽的事件。なぜなら、本作の劇伴を手がけるということは、確実にあるジャズの名盤を意識せざるを得ないからだ。</p>
<p><div class="iframe-wrap"><iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/pc2Ru2NXR2Q?si=XmTtMMPtr-B0kAep" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen></iframe></div></p>
<p>『アンダーカレント』の原作は、豊田徹也が2004年に月刊アフタヌーンに発表した同名漫画。家業を引き継いだ関口かなえは、夫の悟と一緒に銭湯を切り盛りしていた。ところがある日突然、夫が行方をくらましてしまう。事態を受け止めきれず、それでも必死に営業を続けるかなえ。そんな彼女のもとに、住み込みで働きたいという男が現れる。やがて奇妙な共同生活が始まり、不思議な連帯感が芽生えていく…。</p>
<p>アンダーカレントとは、＜底流＞という意味。まさにこの作品は、2人が心の底に沈めていた想いが交錯するまでを、独特の筆致で描いている。発表されたのはおよそ20年前だが、いまだにそのカルト的人気が衰えることはなく、特にヨーロッパでは評価が高い。2020年にフランスの放送局が発表した「2000年以降の絶対に読むべき漫画100選」では、堂々の3位にランクインしているほどだ。</p>
<p>この漫画には明白な参照元がある。単行本の表紙には、主人公のかなえが湖底へと沈んでいく幻想的なカットが描かれているのだが、これがビル・エヴァンス＆ジム・ホールの共作アルバム『Undercurrent』に使用されている、ジャケット・デザインからの引用。これは1907年生まれの女流アメリカ人カメラマン、トニー・フリーゼルが1947年に撮影した「Weeki Wachee spring, Florida」という作品だ。湖底に一人の女性が漂う、鮮烈なモノクロ写真。漫画『アンダーカレント』は、1962年に発売されたジャズの名盤から大きなインスパイアを受けている。</p>
<p>その漫画を実写化するとなれば、音楽制作にはどうしたってビル・エヴァンスの呪縛を受けざるを得ない。果たして、どのようなアプローチで細野晴臣はこの作品に対峙するのか。筆者の関心はその一点にあった。</p>
<p><module-adv></module-adv></p>
<h3>■アンダーカレント→Undercurrent</h3>
<p>細野晴臣は、『アンダーカレント』のイメージを再構築した音源作品『Undercurrent』を10月4日にリリース。原作・映画で使われているカタカナ表記ではなく、あえてジャズの名盤と同じ英語表記にしている。ビル・エヴァンスと正対することで、むしろ自分のオリジンに立ち返ったような姿勢が生まれたのだろう。ビル・エヴァンスとジム・ホールによる深淵なインタープレイを意識しすぎることなく、映画を自分に招き寄せることによって、新しい景色を作り出している。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/4MKH2kAjS3SgTPm4HICzWJ?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe></p>
<p>確かに完成した映画を鑑賞してみると、そこに流れているのは紛うことなき細野サウンドだ。メロディーが物語を形作るのではなく、アブストラクトな音の配列が丁寧に研磨されたかのような、エーテルに満ちた空間。空気を伝ってリスナーの耳にそっと入り込んでいく、“音”そのもののふくよかさ、柔らかさ。この快感は、細野ワークスでしか味わえない。このEPはサウンドトラックではなく、あくまで音の断片を再構築したカタログ集であることも、その印象を強めている。</p>
<p>では、実際にアルバムに耳をそばだててみよう。M-1「Bath＆Frog（風呂と蛙）」は、不吉な影を帯びたダーク・アンビエント。後半にインサートされる不規則で強い打楽器のアタック音に、思わずドキリとしてしまう。M-2「Underwater（水中）」は、湖底から聞こえてくるかのように静謐な鍵盤の音が、やがて電子音のざわめきにかき消され、また波のように戻っていく美しいトラック。</p>
<p>M-3「Memory（記憶）」は、カリカリというグリッチ・ノイズが心地よいミニマル・テクノ。液体を一気に気体へと変えるスチームのような音が、強烈に脳裏に焼きつく。M-4「Lake（湖沼）」は、鈴の音が印象的に使われているディープ・アンビエントな一曲。映画でも、鈴はかなえの記憶を呼び起こす重要なアイテムとなっている。</p>
<p>M-5「Undercurrent（底流）」は、このアルバムのハイライトと言っていいだろう。タイトルは底流だが、そこには暖かで優しい一筋の光が注ぎ込んでいる。メロディーレスなトラックが収められた本作の中では、最もメロディーの美しさが際立っている作品。一転してM-6「Reverberation（余韻）」は、緻密に配置されたSEが聴覚を挑発するエレクトロニカ。タイトル通りほのかな余韻を残して、全6曲・17分のEPは終幕を迎える。</p>
<p>全体を通して聴いてみると、どこか不穏で不吉な影を匂わせつつ、音の一粒一粒は滑らかで優しい。90年代に細野晴臣が接近したアンビエント作品…『MEDICINE COMPILATION』（1993年）や『NAGA』（1995年）に近いニュアンスを感じる。まるで湖底の奥底に沈められたかのように、モノクロームの世界に身を浸しているにも関わらず、その奥底には暖色系の光がゆらゆらと輝いているのだ。きっとそこにあるのは、メランコリックなではなく、力強く躍動するなのだろう。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/0dwTN3Oq6OWhvGWp79TQYq?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe><br />
<module-adv></module-adv></p>
<h3>■ただそっと寄り添う、素っぴんの音</h3>
<p>アルバムのリリースにあたって、細野晴臣はこんなコメントを発表している。</p>
<blockquote>
<p>映画「アンダーカレント」に添えたイメージの数々を再構築しました。映画用には音の断片を極力シンプルに、素っぴんに近い形で作りました。音の世界を完成形にすれば、映画に溶け込む隙がなくなると思ったのです。ですから今回アルバムとしてまとめる際は、音楽の世界を再構築することが必要でした。とはいえ映画のために作った素材以外は使用していません。そして静けさと激しさが同居した映画、「アンダーカレント」のイメージがこの様になりました。<br />
<a href="https://kakubarhythm.com/news/post/11568">https://kakubarhythm.com/news/post/11568</a></p>
</blockquote>
<p>“音の世界を完成形にすれば、映画に溶け込む隙がなくなる”というのは、非常に興味深い。それは、この映画がそれだけ音楽的ということではないか。今泉力哉監督は、場面の切り替わりを黒味で繋ぐという編集を施している。その呼吸そのものが、すでに音楽的。であるならば、劇伴は物語を牽引するのではなく、ただそっと寄り添うだけでいい。</p>
<p>メロディーは時として、物語に対して過剰なまでに意味を付与してしまう。“音の断片を極力シンプルに、素っぴんに近い形”というのは、サウンドをシネマティックにさせすぎないための判断なのだろう。細野晴臣が目指したのは、無形の流動体。まさしくアンダーカレント＝底流のように、あらゆる解釈を許容する音の塊。細野晴臣はメロディメイカーとしてではなく、映画に漂う大気を送り込む役割を担っているのだ。そんな芸当、天下の細野さんにしかできません。</p>
<p>余談だが、この作品には菅野よう子という名前の人物が登場する（江口のりこが演じていた、主人公・かなえの親友役）、おそらくこの名前は、数々のアニメーションや映画・ドラマの作曲を手がけている、あの菅野よう子を意識しているのだろう。『アンダーカレント』は、どこまでも音楽的な作品なのである。</p>
<p>ビル・エヴァンスと正対することで生まれた、至高のアンビエント・スケープ。ただそっと寄り添う、素っぴんの音が『Undercurrent』には宿っている。</p>
<h3>【リリース情報】</h3>
<p><img src="https://img.block.fm/wp-content/uploads/2023/10/18174126/Undercurrent_3000x3000-1536x1536-1.jpg" alt="" /><br />
Haruomi Hosono 細野晴臣<br />
Undercurrent アンダーカレント</p>
<p>KAKU-183<br />
2023.10.4 Release<br />
Label: KAKUBARHYTHM / medium<br />
Link: <a href="https://kakubarhythm.lnk.to/hosonoharuomi_Undercurrent">https://kakubarhythm.lnk.to/hosonoharuomi_Undercurrent</a></p>
<p>Editorial remixed version<br />
Music and mixed by Haruomi Hosono</p>
<p>Artwork: Kei Sakawaki</p>
<p>Tracklist</p>
<p>01 Bath＆Frog (風呂と蛙)<br />
02 Underwater (水中)<br />
03 Memory (記憶)<br />
04 Lake (湖沼)<br />
05 Undercurrent (底流)<br />
06 Reverberation (余韻)</p>
<p><module-adv></module-adv></p>


ビル・エヴァンスと正対することで生まれた、至高のアンビエント・スケープ　細野晴臣『Undercurrent』

<p>Text：竹島ルイ</p>
<p>サム・メンデス監督の『エンパイア・オブ・ライト』（2022年）。ルカ・グァダニーノ監督の『ボーンズ アンド オール』（2022年）。ジェフ・ロウ監督の『ミュータント・タートルズ ミュータント・パニック！』（2023年）。そして、デヴィッド・フィンチャー監督の『ザ・キラー』（2023年）。</p>
<p>今年日本で公開されただけでも、トレント・レズナーとアッティカス・ロスのコンビは4本のサウンドトラックを…しかも、相当クセツヨなフィルムメーカーによる映画のサウンドトラックを手がけてきた。働き方改革の真逆を行くような仕事量である。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/5BO6VvtVXewDaeIzR5HUq6?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe><br />
<module-adv></module-adv></p>
<p>今や映画界屈指のコンポーザーとも言える二人だが、その出自はロック・バンドのナイン・インチ・ネイルズであることはご存知の通り。1989年のデビュー以来、彼らは30年以上に渡って第一線で活躍してきた。</p>
<p>ただ正直申し上げると、自分のようなひ弱すぎるミュージック・リスナーにとって、ナイン・インチ・ネイルズはひたすら怖い存在でしかなかった。ドスの効いたギターリフ、ハンマーのように振り下ろされるドラミング、隆々とした上腕二頭筋を見せつけながら歌い上げるトレント・レズナーのヴォーカル。シンセ・ポップにヘヴィ・メタルを融合させたマッシヴなビートに、恐れおののいていたのである。</p>
<p>トレント・レズナーは小さい頃からピアノを弾き、クラシカルな音楽的素養も持ち合わせていた。その資質が、映画音楽というジャンルでも活躍できる一因になったのだろう。実際に彼は、かなり早い時期からサウンドトラックの仕事に取り組んでいる。1994年に公開されたラブ・バイオレンス『ナチュラル・ボーン・キラーズ』で、オリバー・ストーン監督から選曲を依頼されたのだ。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/1aw0h7wIGPbtVNEbnojRKJ?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe></p>
<p>レナード・コーエンの「Waiting For The Miracle」、パティ・スミスの「Rock N Roll Nigger」、ボブ・ディランの「You Belong To Me」、そして自らトラックを制作したナイン・インチ・ネイルズの「Burn」など。トレント・レズナーは、アメリカ各地で殺人を繰り返すクレイジー・カップルの逃避行にふさわしい、ブルージーで乾いた楽曲たちを並べてみせる。</p>
<p>その手腕に鬼才デヴィッド・リンチが唸り、『ロスト・ハイウェイ』（1997年）でも選曲を担当することに。トレント・レズナーはナイン・インチ・ネイルズとしての活動の傍ら、映画音楽プロデューサーとしての才能も発揮する。</p>
<h3>『ソーシャル・ネットワーク』の成功</h3>
<p>そこからおよそ10年の時を経て、今度は選曲ではなくスコアの作曲という仕事が舞い込んでくる。その依頼主こそ、デヴィッド・フィンチャー。『セブン』（1995年）、『ファイト・クラブ』（1999年）などチャレンジングな作品を世に放ってきた、ハリウッドの反逆児にしてパンクなフィルムメーカーだ。</p>
<p>トレント・レズナーは、ナイン・インチ・ネイルズとしての活動を一時的に中断せざるを得ないこと、映画音楽の仕事を頭で整理しきれていないことを理由に、一度断りを入れている。だがデヴィッド・フィンチャーは、簡単に諦めるような男ではなかった。猛烈なラブコールに押されて、結局トレント・レズナーは仲間のアッティカス・ロスと共に、『ソーシャル・ネットワーク』（2010年）のスコアに挑むことになる。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/1ijkFiMeHopKkHyvQCWxUa?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe><br />
<module-adv></module-adv></p>
<p>従来のようなオーケストレーションではなく、エレクトロニック・ミュージックを前面に押し出したサウンドは斬新だった。特に主人公のマーク・ザッカーバーグ（ジェシー・アイゼンバーグ）が、大学のコンピュータをハッキングして女子大生の格付けサイトを立ち上げる場面で流れる「IN MOTION」の高揚感は素晴らしい。四つ打ちのダーク・アンビエントに彩られた音像。初めて手がけたスコア作品で、彼らは第83回アカデミー賞・オリジナル作曲賞受賞という快挙を成し遂げる。</p>
<p>ドキュメンタリー映画『すばらしき映画音楽たち』（2016年）で、ミュージシャンのモービーは「斬新な映像と音楽が融合した時、驚異的な相乗効果が生まれるとレズナーたちは証明している」と語り、映画音楽エージェントのエイモス・ニューマンは「彼らがもたらしたのは“美しい混沌”だ」と激賞。そして映画音楽史研究者ジョン・バーリンゲームは「映画音楽の大きな転換と言える」と、歴史的なターニング・ポイントという認識を示している。</p>
<p>彼らのようなバンド出身アーティストが映画のスコアを手がけることは、今や決して珍しいことではない。ザ・バンドのロビー・ロバートソン（『アイリッシュマン』（2019年）、『キラーズ・オブ・ザ・フラワームーン』（2023年））、オインゴ・ボインゴのダニー・エルフマン（『バットマン』（1989年）、『シザーハンズ』（1990年））、レディオヘッドのジョニー・グリーンウッド（『ゼア・ウィル・ビー・ブラッド』（2007年）、『ファントム・スレッド』（2017年））。だがレズナーたちは、非伝統的な手法で映画音楽の世界に革命をもたらしたのだ。</p>
<h3>アウトローたちの物語を、音楽で包み込む</h3>
<p>以降2人は、『ドラゴン・タトゥーの女』（2011年）、『ゴーン・ガール』（2014年）、『Mank/マンク』（2020年）、そして最新作『ザ・キラー』（2023年）と、デヴィッド・フィンチャー作品全てのスコアを手がけていくことになる。『Mank/マンク』に至っては、これまでのエレクトロニック・ミュージック的なアプローチを封印して、ハリウッド黄金期を彷彿とさせる管弦楽／ビッグバンド・ジャズを提示してみせた。作風に合わせて音楽のスタイルも自由自在に変えることができるのが、トレント・レズナーとアッティカス・ロスのストロング・ポイントでもある。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/4bF6HoSA0B7FbkY1z8uTq5?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe><br />
<module-adv></module-adv></p>
<p>彼らは作曲するにあたって、できるだけ監督や脚本家のミーティングに参加し、楽曲制作の“ヒント”を探るようにしているのだという。そのヒントから想像を膨らまし、ヴィジョンをイメージして、映画撮影前から作業を始めていく。出来上がった映像素材に合わせて音創りをするのではなく、サウンド・スケッチとして音のコレクションを積み上げていくのだ。</p>
<p>多種多様な音楽を作り出す一方で、彼らの作品を通観してみると、そこには一つのルールがあるように感じられる。それは、“アウトローたちの物語を、音楽で包み込む”という姿勢だ。特にデヴィッド・フィンチャーは、社会からはみ出したアウトローを好んで描く映画作家。『ソーシャル・ネットワーク』のザッカーバーグも、『ドラゴン・タトゥーの女』のリスベット（ルーニー・マーラ）も、『ザ・キラー』の殺人者（マイケル・ファスベンダー）も、世界の片隅で孤独に生きている。</p>
<p>フィンチャー以外の作品も、ほぼアウトローたちの物語。4人のタートルズが身をひそめるように地下で暮らす『ミュータント・タートルズ ミュータント・パニック！』、孤独な魂を抱えた男女の心の交流を描く『エンパイア・オブ・ライト』、青春の挫折によって人生の歯車が狂っていく『WAVES/ウェイブス』（2019年）。時には和音のレイヤーが重なるドローン、時には重く歪んだノイズ、時には美しいアンビエントで、2人はアウトローたちの内面に入り込んでいく。</p>
<p>特に『ボーンズ アンド オール』は、筆者が繰り返し愛聴しているサウンドトラックの一つだ。生きていくためには人肉を食らうしかない、食人族としての宿命を定められたリー（ティモシー・シャラメ）とマレン（テイラー・ラッセル）。レズナーたちは、若い男女の物語を不穏な電子音楽ではなく、メランコリックなアコースティック・ギターの調べで優しく包み込む。そこには、孤独な2人に寄り添おうとする音がある。その美しくも哀しみを背負った音楽に、思わず涙がこぼれてしまう。</p>
<p><iframe loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/4yLoHnJLniMbFEwW6salZb?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture"></iframe></p>
<p>トレント・レズナーと、アッティカス・ロス。映画音楽の歴史を大きく転換させた男たちの冒険は、まだまだ続く。彼らのサウンドトラックに身を浸すことは、映画ファン、そして音楽ファンに与えられた幸せな特権だ。心ゆくまで咀嚼し、味わおう。</p>
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